Nem tudo terá sido mau em 2020, mas que 2021 seja para melhorar.
Quando, há um ano, fazíamos votos de um bom e feliz ano novo, não imaginávamos o tempo transformador que se avizinhava: a doença, a angústia, o medo, a distância, o isolamento e a solidão.
Alguns (muitos!) não sobreviveram, outros (muitos mais!) sofrem as marcas da doença e da solidão. No entanto, nós sobrevivemos e chegamos a este dia, com a esperança numa luz que se adivinha ao fundo do túnel de trevas e sombras em que deambulámos nos últimos meses. Se, há um ano, não imaginávamos a pandemia que estava a chegar e alcançaria cada recanto deste mundo definitivamente global, ainda que muito pouco igualitário, também seria impensável, há apenas alguns meses, que a vacina chegaria por estes dias.
Encontramos, entre as obras de Wang Qingsong, uma profética ilustração destes tempos tão estranhos.
Temporary ward Wang Qingsong, 2008 Caixa de luz, a partir de uma instalação ao vivo com 300 figurantes, incluindo doentes e pessoal de saúde Newcastle, Northern Stage theater
Se, em Temporary Ward (Enfermaria temporária), se abarca a memória destes dias de doença e sofrimento, o espanto perante o efémero, afinal, tão inevitável e infinito, fixemo-nos na festa de Happy New Year (Feliz ano novo), onde o humor se alia a um tom de irreverência, mas onde tudo parece leve e luminoso, entre aquilo que podemos deixar cair e os sonhos que se elevem, como balões coloridos “entre as mãos de uma criança”, como dizia o poeta a propósito da Pedra Filosofal.
Happy New Year Wang Qingsong, 2012 Instalação Pequim, Tang Contemporary
Que, em 2021, renasçamos mais humanos e conscientes na construção de um mundo novo. Que 2021 seja um ano bom para todos nós e que todos sejamos melhores.
E que, no espírito de a-muse-arte, a arte e os museus continuem a servir para nosso contentamento.
Acaba de ser anunciada a aquisição, pelo Estado, de 65 obras de arte contemporânea de 57 artistas nacionais, no valor de 500 mil euros. Esta aquisição junta-se à que foi feita o ano passado, de 21 obras por 300 mil euros e prevê-se que no próximo ano se conclua o investimento de um milhão de euros prometido até ao final da legislatura.
Toquem os tambores que esta é uma boa notícia!
Indiscutivelmente uma boa notícia, porque implica uma compensação financeira aos artistas numa altura em que o mercado está menos ativo e porque traduz o reconhecimento e a promoção das suas obras. Boa notícia, portanto.
A Revolução de 25 de Abril, em 1974, levado a cabo pelo Movimento das Forças Armadas (MFA), depôs o regime ditatorial do Estado Novo, vigente desde 1933, e deu início à implementação de um regime democrático. Tal como o povo, também a arte saiu à rua. Os artistas que vinham a afirmar-se desde a década anterior, tanto os que regressavam, como os que não haviam chegado a sair do país, ansiavam por seguir as tendências vividas além Pirenéus e experimentar novas linguagens e exprimir livremente a sua criatividade. O ambiente revolucionário fomentou a renovação da participação cultural, num encontro fusional entre os artistas e o povo, onde eram recrutados os novos públicos da arte. A nova conjuntura estimulou o aparecimento da propaganda política em larga escala e a explosão da arte gráfica: a arte não só saiu à rua, como se lhe colou às paredes.
Mural alusivo ao 25 de abril Foto: Henrique Matos, 1978
Ao fim de 20 anos1, Pedro Cabrita Reis volta a Serralves com “um olhar inquieto” e uma nova identidade, numa exposição comissariada por Marta Moreira de Almeida, diretora-adjunta da instituição.
A exposição “Da luz e do espaço” (19 nov. 1999 – 23 jan. 2000), com obras de Pedro Cabrita Reis e curadoria de Vicente Tódoli e João Fernandes, esteve patente no Museu de Arte Contemporânea de Serralves, entre a 19 de novembro de 1999 e 23 de janeiro de 2000, ou seja, escassos meses após a abertura do museu a 6 de junho de 1999. [↩]
Em 1917, Marcel Duchamp (ou Elsa von Freytag-Loringhoven1 expôs um urinol, em posição invertida e, portanto, destituído de função, assinado “R. MUTT” e datado “1917”.
Fonte Marcel Duchamp, 1917 Foto: Alfred Stieglitz, 1917
Duchamp foi o pioneiro do Dadaísmo, cujo principal mérito terá sido o de forçar a questão acerca da definição de arte e o debate entre arte e conceito. Porém, o efeito contraditório é que o conceito tem vindo a sobrepor-se à arte, sem que se definam os campos próprios das artes plásticas, performativas e conceptuais, para lá das inevitáveis (e vantajosas) interconexões.
Numa carta endereçada à irmã, Duchamp sugere ter sido uma amiga quem, sob o pseudónimo de Richard Mutt, a autora da obra Fonte, datada de 1917 e apresentada na Society of Independent Artists em Nova Iorque. Esta amiga seria Elsa von Freytag-Loringhoven (1874-1927), tal como é sugerido por Irene Gammel e Suzanne Zelazo (Freytag-Loringhoven, Gammel, & Zelazo, 2016). [↩]
“Drawing Room”
Lisboa, Sociedade Nacional de Belas Artes, 9 – 13 out. 2019
Drawing Room Lisboa Foto: MIR, 2019
No início era o desenho. É o desenho que nos documenta e nos transmite a vida, o pensamento, as emoções do homem desde os tempos anteriores à história. O desenho sempre esteve lá, como impulso e como expressão, nas pinturas feitas no interior das grutas, nos traços gravados nas rochas, ou subjacente debaixo de camadas de tinta como suporte e guia da composição.
“O que fica?, perguntas-me. Um encontro no canto da memória.” Nuno Júdice, Oferenda
A perceção da obra de arte é influenciada pelo sujeito que a vê e pelo contexto em que é vista. Num museu ou numa galeria, vemo-la depurada, depois de sujeita ao escrutínio curatorial. A ida a um atelier é, por isso, uma viagem ao âmago da criação, no seu contexto original, na nudez dos artifícios, concedendo-nos a entrada no universo pessoal e íntimo do criador-artista. É, também, o privilégio da observação não contaminada pela visão de outros, pelo discurso do curador ou pelas análises dos críticos.
Atelier de Mário Rita Lisboa, julho de 2019 Foto: MIR, 2019
Exposição “VII Mostra de Artistas Argentinos em Portugal”
Lisboa, Palácio Nacional da Ajuda, 20 mar. – 3 abr. 2019
Março foi o mês de Francofonia. A “Festa da Francofonia 2019”, organizada por um coletivo de países membros da OIF (Organização Internacional da Francofonia) com representação diplomática em Portugal (Andorra, Argentina, Bélgica, Canadá, Costa do Marfim, Egipto, França, Geórgia, Luxemburgo, Marrocos, Roménia, Senegal, Suíça e Tunísia), pretende dar a conhecer culturas do mundo francófono.
Exposição “VII Mostra de Artistas Argentinos em Portugal” Lisboa, Palácio Nacional da Ajuda Foto: MIR, 2019
Neste âmbito, a exposição “VII Mostra de Artistas Argentinos em Portugal”, sob a tutela da Embaixada da Argentina, país observador da OIF e coorganizador da Festa da Francofonia 2019, apresenta, no Palácio Nacional da Ajuda, obras de 11 artistas contemporâneos, com diferentes linguagens, técnicas e suportes no âmbito das artes plásticas, numa seleção que se assume heterogénea e simplificada.
Domestikator é um trabalho arquitetónico-escultório (uma escultura habitável) em madeira, aço e fibra de vidro, com 12 metros de altura e 30 toneladas de peso, realizado na oficina do escultor holandês Joep van Lieshout.
Em 1974, Arnold Hauser publicou a Sociologia da arte, um trabalho de síntese da investigação académica realizada ao longo de três décadas, onde argumentava acerca da relação direta entre desenvolvimento cultural e as circunstâncias materiais da sociedade, defendendo que a forma e o conteúdo da obra de arte refletem as circunstâncias concretas da sua produção, isto é, é determinada pelos fatores sociais e económicos em que se insere (vd. Hauser, 1988). Segundo esta perspetiva sociológica, a arte é, simultaneamente, determinante na sociedade e determinada por ela. É determinante, uma vez que é questionada, promovida, avaliada, utilizada e fruída por um grupo social, integrando-se na superstrutura ideológica que determina e influencia o gosto vigente. Por outro lado, é determinada pela sociedade, no sentido em que é regulada pelos mecanismos de encomenda, avaliação e remuneração, que promovem determinados produtos em detrimento de outros.
Pop galo Joana Vasconcelos, 2016 Lisboa, Ribeira das Naus Foto: MIR, 2016
‘If my art has nothing to do with people’s pain and sorrow, what is ‘art’ for?’ (Ai Weiwei)
Ao longo da semana, assistimos ao desmantelamento da selva de Calais, esse enorme campo onde a crua fragilidade da nossa (des)humanidade era posta a nu: começou com o desmantelamento organizado e oficial das barracas, continuou através do enorme incêndio que as autoridades denunciam como fogo posto e manteve um incessante ritmo de transferência dos refugiados, levados de autocarro para centros de acolhimento dispersos em território francês.
Campo de refugiados em Calais Foto: Ai Weiwei, 27 out. 2016
No grupo de Facebook “Arte, museus e património” costuma haver uma publicação marcada com a indicação das publicações consideradas adequadas: “O objetivo deste grupo é ser uma plataforma de informação, exclusivamente, nos domínios das artes visuais, dos museus e do património cultural: notícias, análises, artigos de opinião, estudos…“
Em Portugal, com um atraso em relação aos contextos europeu e norte-americano, costuma marcar-se a década de 1970 como ponto de viragem da arte contemporânea pós-moderna, coincidindo com a maior abertura política e cultural da época marcelista e a com as vanguardas emergentes após a revolução de 25 de abril de 74. Logo em 1977, a exposição Alternativa Zero, concebida e comissariada por Ernesto de Sousa constitui uma ocorrência decisiva na contemporaneidade da arte portuguesa, introduzindo o conceito de arte intermedia, isto é, a arte que articula variadas formas de expressão visuais e performativas. Esta exposição, ao mesmo tempo que faz o um balanço da produção artística portuguesa mais alinhada com a arte contemporânea internacional, revela também os artistas – Alberto Carneiro, Clara Menéres, João Vieira, Helena Almeida, Julião Sarmento, Ângelo de Sousa, Noronha da Costa e Fernando Calhau, entre outros – e as tendências mais relevantes das décadas seguintes, em que a rutura se conjuga com a hibridez dos meios, dos processos e das próprias expressões artísticas.
Vista da exposição Alternativa Zero, 1977. Foto: Col. Fundação de Serralves.
Alberto Carneiro explora o campo da instalação, ou, como ele refere, uma “escultura natural”, para onde importa as evocações do mundo rural e de uma primordial relação com a terra, num percurso telúrico que mantém até à atualidade. Carneiro é considerado pioneiro na articulação arte-ecologia, embora se mantenha autónomo dos desenvolvimentos da land art.
Uma floresta para os teus sonhos Alberto Carneiro, 1970 Instalação: Troncos de madeira de pinho tratados. Foto: FCG/CAM
Em contrapartida, João Vieira e Helena Vieira perseguem uma via mais conceptual e híbrida na utilização de materiais menos comuns, na conjugação de técnicas e no envolvimento do próprio corpo. João Vieira desenvolve uma pintura letrista, assente na componente gráfica do texto e nas possibilidades das conexões entre o significado e o significante. Helena Vieira envereda pela intervenção da pintura ou do desenho sobre a representação fotográfica do próprio corpo. Na série Inhabited Painting, de 1975, encena autoretratos, sublinhados por traços ou manchas de tinta azul.
Instauram, desta forma, uma pesquisa de vanguardas em torno do conceito subjacente à criatividade que, nas décadas seguintes, tende a ampliar-se e a dominar as restantes expressões artísticas.
A conjuntura pós-revolucionária impulsionou o aparecimento de uma nova dinâmica no âmbito da arte portuguesa nos finais do século XX: a consolidação em Portugal e no plano internacional de artistas como Paula Rego, Luís Pinto Coelho, Júlio Pomar e Julião Sarmento; a pesquisa em torno das tendências de vanguarda no âmbito do minimalismo, abstracionismo e pós-conceptualismo, por parte de autores como Eduardo Batarda e Álvaro Lapa; o chamado “regresso à pintura”, com novas figurações, com o predomínio da figura humana, em expressões realistas, líricas, espontâneas, de Graça Morais, Menez, António Palolo, Leonel Moura ou António Dacosta. No âmbito da escultura, destaca-se o grupo de Pedro Calapez, José Pedro Croft, Pedro Cabrita Reis e Rui Sanches.
Desenham-se, aqui, duas tendências genéricas para uma possível caraterização da arte contemporânea desde finais do século XX: a representação da figura em novos moldes, no sentido em revelam um universo introspetivo diferente de autor para autor; a pesquisa orientada para a arte concetual baseada na apropriação de outras expressões.
Nota: Estes são apenas “apontamentos”, num eventual ponto de partida para futuras análises e desenvolvimentos. Fica a porta aberta a todos (e, em particular, aos implicados no processo) os que quiserem também quiserem contribuir, em comentário, com referências acerca dos autores e grupos de trabalho.
No balanço da museologia de arte contemporânea em 2014, salientam-se os nomes de Jeff Koons e de Joana de Vasconcelos. Se ambos são olhados com desconfiança pelos pares e por uma (pseudo) elite artística e intelectual, denunciando a linguagem rudimentar e o discurso mediano da produção mais recreativa do que recreativa – ambos se limitam a alterar escalas, materiais e texturas, apropriando-se das criações de outrem – a verdade é que ambos conseguem o reconhecimento das massas graças a uma produção facilmente reconhecível, compreensível e apreensível. Ambos se situam num registo de Pop Art ou, mais propriamente, na corrente Neo-Pop, e, portanto, a sua obra é essencialmente popular e dirigida a um público alargado, ao homem comum e medianamente informado.
Jeff Koons não costuma gerar consenso. “King of kitsch” ou “master of the over-the-top”, todos conhecem a sua obra e todos o reconhecem como o artista da vulgaridade, das coisas banais do nosso quotidiano, assume a ingenuidade do piroso e foleiro, que reinterpreta, modifica, desproporciona e apresenta como arte. Mas, enquanto para uns, reside aqui o aspeto mais genial da sua originalidade, para outros, tudo isto é apenas um jogo de metamorfoses, a iludir uma falta de criatividade e incapacidade artística. Porém, todos o conhecem e todos identificam o caráter singular das suas obras. Esta marca distintiva que perpassa na obra de um autor é precisamente aquilo que muitos críticos de arte definem como o traço que define o artista.
Balloon Dog (Yellow), 1994-2000 Exp. Jeff Koons: A retrospective. Foto: MIR, 2014.