Instalação “Em construção”
São Pedro de Penaferrim, Casa-atelier de Mário Rita (18 jan. – 22 fev. 2025)1
Escrevo por entre andaimes,
ando por entre versos. Uma ideia de
construção ergue-se no
meio de palavras e tijolos.
Nuno Júdice2
O processo criativo é, em Mário Rita, o sentido de algo que ainda não está concluído, que nada é tido como definitivo. Dessa constatação e suportado pela epígrafe de Nuno Júdice, surgiu o título “Em construção” para a instalação apresentada a pretexto da abertura da casa-atelier.
“Em construção” S. Pedro de Penaferrim, Casa-atelier Mário Rita
Exposição “Nanquim preto sobre fundo branco”
Lisboa, Galeria Zé dos Bois (6 out. 2022 – 7 jan. 2023)
[…] the desire to bring together in thought what have hitherto appeared to be separate, coherent and homogenous entities and to redistribute what seemed preordained is what bestows upon temporary exhibitions a theoretical value and what makes them ‘exhibitions’. (Poinsot, 1996, p. 27)
Uma exposição temporária pode reordenar objetos em conjuntos inéditos, propiciando a sua releitura, outras modalidades de observação e de análise; mas pode, também, recuperar espólios esquecidos ou desconhecidos. Estes méritos são amplamente cumpridos na exposição “Nanquim preto sobre fundo branco”, com curadoria na Natcho Chega, na Galeria Zé dos Bois (ZDB), com os trabalhos do pintor João Ayres (1921-2001) realizados entre 1948 e 1958. A exposição “Nanquim preto sobre fundo branco”. De forma implícita, a exposição estrutura-se em três núcleos, a que correspondem diferentes expressões estéticas registadas ao longo da primeira década de João Ayres em Moçambique.
Exposição “Nanquim preto sobre fundo branco” Lisboa, Galeria Zé dos Bois Foto: MIR, 2022
Exposição “Europa oxalá”
Lisboa, Fundação Gulbenkian – Galeria principal (4 mar. – 22 ago. 2022)
A exposição, comissariada por António Pinto Ribeiro e pelos artistas Katia Kameli e Aimé Mpane, é temporária e itinerante, tendo sido apresentada no MUCEM – Musée des civilisations de l’Europe et de la Méditerranée, em Marselha (20 out. 2021-16 jan. 2022), e seguirá para o Museu Real da África Central – AfricaMuseum, em Tervuren, na Bélgica (6 out. 2022-5 mar. 2023).
O título “Europa oxalá” remete para a Europa do futuro (oxalá – do árabe inshā’Allāẖ, “se Deus quiser”, utilizada como interjeição para exprimir o desejo de que algo aconteça). A escolha deste título para a exposição de cerca de 60 obras de 21 artistas afro-europeus1, nascidos na Europa pós-colonial e cujas origens familiares se situam nas antigas colónias em África (Angola, Argélia, Benim, Cabo Verde, Congo, Guiné-Bissau, Madagáscar), aponta para problemáticas que ultrapassam o universo europeu e artístico em sentido restrito.
Sete destes artistas têm nacionalidade portuguesa: Carlos Bunga, Délio Jasse, Francisco Vidal, Márcio Carvalho, Mónica de Miranda, Pauliana Valente Pimentel e Pedro A. H. Paixão. [↩]
Exposição “Tudo o que eu quero: Artistas portuguesas de 1900 a 2020”
Lisboa, Fundação Calouste Gulbenkian (2 jun. – 23 ago. 2021)
São cerca de 200 obras de 40 artistas portuguesas1 num arco cronológico que abrange todo o século XX e chega aos nossos dias e que integra pintura, escultura, desenho, objeto, livro, instalação, filme e vídeo.
Exposição “Tudo o que eu quero” Lisboa, Fundação Calouste Gulbenkian Foto: MIR, 2021
Aurélia de Sousa, Mily Possoz, Rosa Ramalho, Maria Lamas, Sarah Affonso, Ofélia Marques, Maria Helena Vieira da Silva, Maria Keil, Salette Tavares, Menez, Ana Hatherly, Lourdes Castro, Helena Almeida, Paula Rego, Maria Antónia Siza, Ana Vieira, Maria José Oliveira, Clara Menéres, Graça Morais, Maria José Aguiar, Luísa Cunha, Rosa Carvalho, Ana Léon, Ângela Ferreira, Joana Rosa, Ana Vidigal, Armanda Duarte, Fernanda Fragateiro, Patrícia Garrido, Gabriela Albergaria, Susanne Themlitz, Grada Kilomba, Maria Capelo, Patrícia Almeida, Joana Vasconcelos, Carla Filipe, Filipa César, Inês Botelho, Isabel Carvalho, Sónia Almeida. [↩]
É o traço, o poder conciso do traço inacabado, elementar como se fosse simples, o que de imediato me vem à memória na reconstrução da obra de Julião Sarmento. É o traço que rompe a tela e determina o resto.
Foi o traço que primeiro me marcou, foi pelo traço que sucessivamente o descobri e identifiquei.
Julião Sarmento junto à peça “Kiss Me” Málaga, Museu de Arte Contemporânea, exposição restrospetiva do artista em 2010 Foto: EPA/JORGE ZAPATA, 2010
Tríduo Pascal (em latim, Triduum Paschale) é a designação dada no Cristianismo às celebrações da Semana Santa em memória da Paixão, Morte e Ressurreição de Cristo. A missa de Quinta-feira Santa recorda a Última Ceia de Cristo, como preparação dos momentos da Paixão. Os sinos tocam durante a recitação do Glória e, após esse momento, ficam em silêncio. Segue-se o ritual da lavagem dos pés, evocando o ato de Cristo aos apóstolos, segundo o relato no Evangelho de João (13:1-17). Este é um gesto de humildade e despojamento que prepara para o mistério eucarístico da Última Ceia. As celebrações de Quinta-feira terminam com o desnudamento dos altares. A liturgia deste dia encerra a Quaresma e dá início ao chamado Tríduo Pascal, ao mesmo tempo que anuncia o sentido deste tempo de silêncio, despojamento e ascese.
Crucificação; Ressurreição Mário Rita, 2015 Exposição “Les Voyeurs”, 2015 Lisboa, Miguel Justino Contemporary Art
Mário Rita consegue incorporar o espírito do Tríduo Pascal neste conjunto de pinturas que, no entanto, escapam à iconografia convencional dos episódios da Paixão, Morte e Ressurreição de Cristo. Além disso, sendo que a temática religiosa não é frequente na arte contemporânea, também Mário Rita não a usa com um propósito confessional. É, porém, uma expressão introspetiva e denuncia um imenso lirismo na representação do dramatismo e solidão que estas figuras evocam.
Nem tudo terá sido mau em 2020, mas que 2021 seja para melhorar.
Quando, há um ano, fazíamos votos de um bom e feliz ano novo, não imaginávamos o tempo transformador que se avizinhava: a doença, a angústia, o medo, a distância, o isolamento e a solidão.
Alguns (muitos!) não sobreviveram, outros (muitos mais!) sofrem as marcas da doença e da solidão. No entanto, nós sobrevivemos e chegamos a este dia, com a esperança numa luz que se adivinha ao fundo do túnel de trevas e sombras em que deambulámos nos últimos meses. Se, há um ano, não imaginávamos a pandemia que estava a chegar e alcançaria cada recanto deste mundo definitivamente global, ainda que muito pouco igualitário, também seria impensável, há apenas alguns meses, que a vacina chegaria por estes dias.
Encontramos, entre as obras de Wang Qingsong, uma profética ilustração destes tempos tão estranhos.
Temporary ward Wang Qingsong, 2008 Caixa de luz, a partir de uma instalação ao vivo com 300 figurantes, incluindo doentes e pessoal de saúde Newcastle, Northern Stage theater
Se, em Temporary Ward (Enfermaria temporária), se abarca a memória destes dias de doença e sofrimento, o espanto perante o efémero, afinal, tão inevitável e infinito, fixemo-nos na festa de Happy New Year (Feliz ano novo), onde o humor se alia a um tom de irreverência, mas onde tudo parece leve e luminoso, entre aquilo que podemos deixar cair e os sonhos que se elevem, como balões coloridos “entre as mãos de uma criança”, como dizia o poeta a propósito da Pedra Filosofal.
Happy New Year Wang Qingsong, 2012 Instalação Pequim, Tang Contemporary
Que, em 2021, renasçamos mais humanos e conscientes na construção de um mundo novo. Que 2021 seja um ano bom para todos nós e que todos sejamos melhores.
E que, no espírito de a-muse-arte, a arte e os museus continuem a servir para nosso contentamento.
Acaba de ser anunciada a aquisição, pelo Estado, de 65 obras de arte contemporânea de 57 artistas nacionais, no valor de 500 mil euros. Esta aquisição junta-se à que foi feita o ano passado, de 21 obras por 300 mil euros e prevê-se que no próximo ano se conclua o investimento de um milhão de euros prometido até ao final da legislatura.
Toquem os tambores que esta é uma boa notícia!
Indiscutivelmente uma boa notícia, porque implica uma compensação financeira aos artistas numa altura em que o mercado está menos ativo e porque traduz o reconhecimento e a promoção das suas obras. Boa notícia, portanto.
A Revolução de 25 de Abril, em 1974, levado a cabo pelo Movimento das Forças Armadas (MFA), depôs o regime ditatorial do Estado Novo, vigente desde 1933, e deu início à implementação de um regime democrático. Tal como o povo, também a arte saiu à rua. Os artistas que vinham a afirmar-se desde a década anterior, tanto os que regressavam, como os que não haviam chegado a sair do país, ansiavam por seguir as tendências vividas além Pirenéus e experimentar novas linguagens e exprimir livremente a sua criatividade. O ambiente revolucionário fomentou a renovação da participação cultural, num encontro fusional entre os artistas e o povo, onde eram recrutados os novos públicos da arte. A nova conjuntura estimulou o aparecimento da propaganda política em larga escala e a explosão da arte gráfica: a arte não só saiu à rua, como se lhe colou às paredes.
Mural alusivo ao 25 de abril Foto: Henrique Matos, 1978
Ao fim de 20 anos1, Pedro Cabrita Reis volta a Serralves com “um olhar inquieto” e uma nova identidade, numa exposição comissariada por Marta Moreira de Almeida, diretora-adjunta da instituição.
A exposição “Da luz e do espaço” (19 nov. 1999 – 23 jan. 2000), com obras de Pedro Cabrita Reis e curadoria de Vicente Tódoli e João Fernandes, esteve patente no Museu de Arte Contemporânea de Serralves, entre a 19 de novembro de 1999 e 23 de janeiro de 2000, ou seja, escassos meses após a abertura do museu a 6 de junho de 1999. [↩]
Em 1917, Marcel Duchamp (ou Elsa von Freytag-Loringhoven1 expôs um urinol, em posição invertida e, portanto, destituído de função, assinado “R. MUTT” e datado “1917”.
Fonte Marcel Duchamp, 1917 Foto: Alfred Stieglitz, 1917
Duchamp foi o pioneiro do Dadaísmo, cujo principal mérito terá sido o de forçar a questão acerca da definição de arte e o debate entre arte e conceito. Porém, o efeito contraditório é que o conceito tem vindo a sobrepor-se à arte, sem que se definam os campos próprios das artes plásticas, performativas e conceptuais, para lá das inevitáveis (e vantajosas) interconexões.
Numa carta endereçada à irmã, Duchamp sugere ter sido uma amiga quem, sob o pseudónimo de Richard Mutt, a autora da obra Fonte, datada de 1917 e apresentada na Society of Independent Artists em Nova Iorque. Esta amiga seria Elsa von Freytag-Loringhoven (1874-1927), tal como é sugerido por Irene Gammel e Suzanne Zelazo (Freytag-Loringhoven, Gammel, & Zelazo, 2016). [↩]
“Drawing Room”
Lisboa, Sociedade Nacional de Belas Artes, 9 – 13 out. 2019
Drawing Room Lisboa Foto: MIR, 2019
No início era o desenho. É o desenho que nos documenta e nos transmite a vida, o pensamento, as emoções do homem desde os tempos anteriores à história. O desenho sempre esteve lá, como impulso e como expressão, nas pinturas feitas no interior das grutas, nos traços gravados nas rochas, ou subjacente debaixo de camadas de tinta como suporte e guia da composição.
“O que fica?, perguntas-me. Um encontro no canto da memória.” Nuno Júdice, Oferenda
A perceção da obra de arte é influenciada pelo sujeito que a vê e pelo contexto em que é vista. Num museu ou numa galeria, vemo-la depurada, depois de sujeita ao escrutínio curatorial. A ida a um atelier é, por isso, uma viagem ao âmago da criação, no seu contexto original, na nudez dos artifícios, concedendo-nos a entrada no universo pessoal e íntimo do criador-artista. É, também, o privilégio da observação não contaminada pela visão de outros, pelo discurso do curador ou pelas análises dos críticos.
Atelier de Mário Rita Lisboa, julho de 2019 Foto: MIR, 2019
Exposição “VII Mostra de Artistas Argentinos em Portugal”
Lisboa, Palácio Nacional da Ajuda, 20 mar. – 3 abr. 2019
Março foi o mês de Francofonia. A “Festa da Francofonia 2019”, organizada por um coletivo de países membros da OIF (Organização Internacional da Francofonia) com representação diplomática em Portugal (Andorra, Argentina, Bélgica, Canadá, Costa do Marfim, Egipto, França, Geórgia, Luxemburgo, Marrocos, Roménia, Senegal, Suíça e Tunísia), pretende dar a conhecer culturas do mundo francófono.
Exposição “VII Mostra de Artistas Argentinos em Portugal” Lisboa, Palácio Nacional da Ajuda Foto: MIR, 2019
Neste âmbito, a exposição “VII Mostra de Artistas Argentinos em Portugal”, sob a tutela da Embaixada da Argentina, país observador da OIF e coorganizador da Festa da Francofonia 2019, apresenta, no Palácio Nacional da Ajuda, obras de 11 artistas contemporâneos, com diferentes linguagens, técnicas e suportes no âmbito das artes plásticas, numa seleção que se assume heterogénea e simplificada.