Maria José Moura (1937-2018)

Conheci-a há quase trinta anos.
A memória mais antiga e, também, a mais constante é a de uma amizade, tão generosa quanto protetora. Assumia as minhas lutas, lutando ela própria contra os moinhos de vento do meu destino, como se tivesse sido responsável por eles, defendendo-me de tudo aquilo que achava ser injusto e oferecendo-me, até ao fim, uma imensa e abnegada proteção e amizade.

Trabalhámos juntas. E lembro-me das horas que ficava à espera todas as manhãs, porque insistia em que o seu motorista – o Sr. Lisboa – me fosse buscar; lembro-me dos papéis com recados, uns sobre os outros, que me entregava, enquanto eu resmungava que ainda um dia me havia de entregar a barra do lençol escrevinhada quando já não lhe sobrasse papel na mesa de cabeceira; lembro-me de uma enorme e contagiante capacidade de trabalho, que estendia a todos o que a rodeavam; lembro-me do ritmo alucinante com que misturava tarefas infindas e da memória como as lembrava a todas; lembro-me das discussões acesas e de como acabavam depressa; lembro-me dos telefonemas a puxar múltiplas lembranças – lembra-se? então, não se lembra? – em conversas compridas que acabavam de repente – adeus, adeus; lembro-me das nossas teimosias – não há teimosos sozinhos! – e de como me chamava “teimosinha”; lembro-me da festa sempre que nos encontrávamos, como se realmente gostasse de me rever e de me voltar a chamar “sardinha”, lembro o riso, a alegria, a vivacidade; lembro que, nas últimas vezes em que nos vimos, já derrubada entre a cama e a cadeira do hospital, às vezes, me reconhecia, mas essa alegria havia desaparecido juntamente com a esperança de que ainda fosse possível comer um peixe assado numa varanda ao sol… E não, já não foi possível!

Até sempre, querida amiga.

Maria José Moura, por ocasião da homenagem que lhe foi prestada por ocasião da reabertura da biblioteca do Palácio Galveias
10 de junho de 2107
Foto: Susana Lopes, 2017

Esta é, apenas, uma homenagem pessoal e muito íntima, a única de que sou capaz neste momento. Será também através destas fragmentadas memórias individuais, que se confirma a grande mulher que foi, a intensidade de uma vida que marcou cada um dos que um dia se atravessaram no seu caminho. Do que Maria José Moura fez pelas bibliotecas e pela leitura pública, pela nossa cultura e pelo conhecimento, outros o dirão e bem melhor do que eu faria.

Imagem do banner processada a partir de uma fotografia da Biblioteca Municipal de Aveiro, de 18 de junho de 2013.

41.º Simpósio Anual do ICOFOM 2018: Museologia e sagrado

O 41.º Simpósio Anual do ICOFOM, tendo como tema “Museologia e o Sagrado, realizou-se em Teerão (Irão), entre 15 e 19 de outubro de 2018.

41.º Simpósio Anual do ICOFOM 2018: foto de grupo com as assinaturas dos participantes
Teerão, Museu Nacional de Arte Islâmica
Foto: Niloofar Yazdkhasti, 2018

Museus concebidos como templos ou que ocupam espaços que outrora foram igrejas; objetos apartados do culto e que são expostos em museus; rituais religiosos que se evocam no comportamento dos visitantes em espaços museológicos; museus que sacralizam objetos profanos, criando-lhes altares de exaltação; indivíduos que procuram o museu para manter a ligação a objetos que, para eles, continuam sagrados – tudo isto são fatores da relação entre o museu e o sagrado.

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Hidden meanings: Christian art exhibited at the museum

Mixing museums with the sacred seems to be a paradox, since the museum is the place where objects are exhibited, while the sacred is something to hide. Nevertheless, the concept of sacred crosses museum studies, since there are many objects related to religious rituals and worship exhibited in museums.

Exhibition “As Ilhas do Ouro Branco”
Lisboa, MNAA
Photo: Rui Marote e DR, 2017

Musealization always implies a decontextualization process, by moving an object from its original context to an artificial and representational place. Regarding the religious object, this musealization also involves a process of desacralization and, eventually, a re-sacralization. So, to understand this phenomenon, it is necessary to consider the concept of the sacred itself and their implications, such as separation, untouchability, reverence or contemplation.

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Museologia de religião: Análise de uma exposição comemorativa do centenário das Aparições

Exposição “As cores do sol: A luz de Fátima no mundo contemporâneo
Fátima, Convivium de Santo Agostinho, Basílica da Santíssima Trindade, 26 nov. 2016 – 31 out. 2018

A história é conhecida de todos: depois das aparições do anjo, com um cariz preparatório, os três pequenos pastores Lúcia, Francisco e Jacinta, viram, pela primeira vez, a 13 de maio de 1917, uma senhora “muito formosa […], envolta num clarão mais brilhante que o sol” que lhes pedira que rezassem o terço e que tornassem àquele local, seis meses seguidos no mesmo dia e à mesma hora. Para aquela que seria a última aparição, a Virgem prometera-lhes um milagre, dizendo que “no último mês fazia um sinal no sol, que todos haviam de acreditar”.

Lúcia, Francisco e Jacinta
Cova da Iria, 1917
In: (1917, 29 out.). Ilustração Portuguesa, (610), 356.
Foto: Joshua Benoliel; Arquivo Fotográfico/
Santuário de Fátima

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Maria Helena Mendes Pinto (1923-2018)

Conheci Maria Helena Mendes Pinto, a querida “Senhora D. Helena”, no início da década de 1990. Primeiro, assistindo ao convívio entre conservadoras do Museu de Arte Antiga que me aceitavam como discípula; depois, em 1993, em longas tardes na biblioteca do museu, onde me orientava na pesquisa de objetos para uma exposição, elucidando a minha profunda ignorância, com a paciência de grande mestra, conversando acerca das suas hesitações – o que, nessa altura, nos intrigavam as madrepérolas da Terra Santa, frequentemente catalogadas como obras indo-portuguesas: “não me parece, não me parece que sejam!”; e não eram – expondo o conhecimento com uma familiaridade sem reservas, entusiasmando-se perante objetos que via pela primeira ou pela centésima vez, continuando a interrogá-los e a analisá-los, trazendo-me livros, sugerindo-me leituras, lendo-me os textos, como se nunca duvidasse de que isso valesse a pena e fazendo-me acreditar que talvez fosse assim. Lembro-me das últimas vezes em que a vi, cada vez mais enfraquecida, mas com uma vivacidade no olhar, como se estivesse contente por me ver, enquanto me perguntava sobre a minha vida, amigos comuns… Que privilégio conhecê-la!

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Todos somos Museu Nacional

“Um dia todos os museus irão arder
E seremos felizes. Imagem por imagem
Esqueceremos quem somos, deitados sobre a cinza,
Livres da angústia da memória e sem remorsos.”
Rui Almeida (2018)

É inevitável este sentimento de luto perante a tragédia do fogo que consumiu o Museu Nacional do Rio de Janeiro. Requiem por este museu.

Museu Nacional
Rio de Janeiro
Foto: Zô Guimarães/Folhapress

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O objeto no museu: verdade ou mentira?

São salas cheios de peças percorridas por multidões, são corredores que se atravessam num olhar distraído, são visitantes que passam seguindo um roteiro diletante onde pontuam as obras que a instrumentalização da cultura definiu como obrigatórias… Referia, aqui, que os grandes museus se tornaram pontos de consumo turístico, onde se perdeu o gosto da contemplação. Onde é difícil ver e descobrir para lá do lugar comum.

Banksy no British Museum
2005
Foto: Banksy website

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O museu entre a vida e a morte

Os primeiros museus foram criados sob o explícito pretexto de disponibilizar a todos os bens patrimoniais que, até então, haviam estado na exclusiva posse de alguns privilegiados, mesmo que os objetivos políticos implícitos, no contexto das sociedades ocidentais oitocentistas, progressivamente assumindo a propaganda dos seus ideais nacionalistas e colonialistas. Criaram-se, assim, grandes museus universais, com coleções provenientes de culturas distantes, cronológica e geograficamente, e obras consagradas pela história da arte que lhes conferiam uma identidade e aumentavam o prestígio.

Projet d’aménagement de la Grande Galerie du Louvre
Hubert Robert, 1796
Paris, Musée du Louvre

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“Tirando pelo natural” figurações, conceções e transgressões no Museu de Arte Antiga

Exposição “Do tirar polo natural: Inquérito ao retrato português
Lisboa, Museu Nacional de Arte Antiga (MNAA), 28 jun. – 30 set. 2018 (prolongamento até 14 out.)

Do tirar pelo natural é o título do tratado escrito por Francisco de Holanda, em 1549, o primeiro tratado do mundo ocidental dedicado ao retrato feito por um português1. E esta é uma exposição de retratos, de figurações individuais e coletivas, ainda que, efetivamente, nem todas tenham sido tiradas pelo natural.

Francisco de Holanda. (1563). Do tirar polo natural [Manuscrito].
Lisboa, Academia das Ciências de Lisboa

O culto da imagem está subjacente ao retrato e, sobretudo, à sua versão egocêntrica do autorretrato, onde o indivíduo é sujeito e objeto de expressão artística, a partir da qual se pode traçar o perfil sociológico de cada época e lugar, consoante as transformações registadas no tipo de figura a representar e a forma de o fazer.

Retratos de família
Lisboa, MNAA, Exposição “Do tirar polo natural”
Foto: MIR, 2018

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  1. Em 1563, Manuel Denis, pintor espanhol de ascendência portuguesa, traduziu para espanhol o Libro de la pintura antigua de Francisco de Holanda (Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Ms. 3-361), o qual é considerado como a cópia mais antiga conhecida e tradução direta do original português. É a partir deste manuscrito que, em 1790, Mons. Joaquim José Ferreira Gordo fez uma cópia para a Academia das Ciências de Lisboa (Ms. 650). Contém: “Da pintura antigua: Livro primeiro”; “Livro segundo da pintura antigua”; e “Do Tirar polo Natural”. É este manuscrito que se encontra nesta exposição. []

Um museu ao alcance de todos

Museu da Comunidade Concelhia da Batalha (MCCB) abriu em 2011 no centro histórico da Vila da Batalha, junto ao Mosteiro de Santa Maria Vitória. O tempo que, entretanto, passou podia ter sido pretexto para deixar cair os propósitos iniciais e abandonar-se ao desgaste que leva à decadência, ou aproveitar para amadurecer e consolidar uma missão que se assumia ambiciosa: ser um museu da região; ser um museu de todos, mas onde os locais identificassem a sua história, o seu património e as suas tradições, e abertos a todos, adotando uma matriz inclusiva e uma estratégia multimodal capazes de suprimir barreiras físicas, intelectuais, sensoriais ou linguísticas. Atendendo à complexidade dos equipamentos museográficos e dos instrumentos tecnológicos em que assenta, implicando uma constante manutenção e atualização, seria de temer que, ao cabo de sete anos, o museu tivesse envelhecido e não tivesse sido capaz de se manter fiel aos seus princípios. Sobretudo, considerando que a proximidade do Mosteiro da Batalha e o seu efeito mediático no turismo de massas poderiam ter um impacto negativo nos propósitos de um museu virado para a comunidade e induzir uma apresentação mais virada para um público indiferenciado e globalizado. Porém, não foi isso que aconteceu e este continua um espaço museológico estimulante com um discurso percetível e acessível.

Museu da Comunidade Concelhia da Batalha (MCCB)
Foto: MCCB | Público: Boa Cama Boa Mesa

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Apeshit no Museu do Louvre

O clip Apeshit, que integra o álbum Everything is Love, da dupla-casal The Carters (Beyoncé e Jay-Z), foi gravado no Museu do Louvre, em Paris, sob a direção de Ricky Saiz. O vídeo, lançado no passado dia 16 de junho, atingiu mais de 50 milhões de visualizações em duas semanas e, naturalmente, gerou polémicas sobretudo em torno do discurso e suas leituras, mas também acerca da utilização do espaço do museu e das imagens de algumas obras excecionais da arte ocidental, em contraponto às referências explícitas feitas no texto a marcas de prestígio como as tradicionais Lamborghini, fabricante italiana de carros de desporto exclusivos, Phillippe Patek, empresa suíça que produz relógios e artigos de luxo, e a sua recente congénere Richard Mille, ou as contemporâneas Alexander Wang, criada pelo designer que lhe deu o nome, reconhecida sobretudo pelas malhas de cachemira num estilo depurado e urbano, ou Evisu, marca japonesa de artigos em ganga1. O museu do Louvre é o cenário, a marca de prestígio cultural, a par das restantes marcas de prestígio social, que sublinham o universo de luxo, riqueza e poder que os Carters pretendem transmitir, assumindo atributos de realeza. No entanto, é (ou aparenta ser) algo mais do que isso. Enquanto alguns se fixam nesta ostentação do poder e, em particular, do poder do dinheiro, outros vêem óbvias referências aos Illuminati2, uma sociedade secreta fundada em 1776, no contexto do Iluminismo, a que Jay-Z é suposto pertencer, e outros, ainda, encontram evidências da afirmação do poder negro num museu colonialista e cujas obras testemunham e sublinham o (pre)domínio da cultura ocidental e da hegemonia branca.

Beyoncé e Jay-Z frente à Mona Lisa, de Leonardo da Vinci, no museu do Louvre
Foto: Beyoncé e Jay-Z / YouTube, 2018

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  1. A marca Evisu é mencionada em várias músicas rap, nomeadamente, nas “Show You How” et “Jigga That Nigga” de Jay-Z. []
  2. A ligação entre o Louvre e os Illuminati foi ficcionada por Dan Brown na obra O código da Vinci. []

Tomar a cópia pelo original

Uma cópia de idêntico tamanho e feita em cimento reforçado da esfinge monumental de Gizé foi publicitada em 2014, como uma das principais atrações num parque de diversões em Shijizhuang, na província de Hebei no norte da China, criado pelos Hebei Great Wall Film Studios e que inclui, entre outras, réplicas do Templo do Céu de Pequim, do Pártenon de Atenas, da Torre Eiffel de Paris e da Tower-Bridge de Londres. Ao cabo de dois anos de reclamações feitas pelas autoridades egípcias, com o apoio da UNESCO, sob o argumento de que se tratava de uma imitação de fraca qualidade e adulterava o original e ofendia o património e a cultura do Egipto antigo, a cabeça da esfinge foi demolida em abril de 2016. Entretanto, os responsáveis pelo parque noticiaram a sua reposição na réplica da esfinge, repondo a polémica e dando o mote para uma reflexão acerca da reprodução de monumentos e obras de arte.

Réplica da Esfinge de Gizé em Shijizhuang
Foto: SINA English, 2014

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Júlio Pomar (1926-2018)

Não morreu, Júlio Pomar.
Nasceu em 1926; partiu em 2018.

Pode dizer-se que frequentou a Escola de Artes Decorativas António Arroio e, depois, a Escola Superior de Belas Artes, em Lisboa e, depois, no Porto, mas nem isso é relevante para definir a envergadura daquele que terá sido um dos mais importantes vultos da arte portuguesa (mundial?) do século XX.

O almoço do trolha
Júlio Pomar, 1946-47
Foto: Paulo Spranger / Global Imagens

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Pavilhão da Santa Sé: a minha Expo’98

Há 20 anos, este foi o primeiro dia dos muitos que se lhe seguiram.

Sem tempo para pensar na imensidão do que acontecia, havia uma ideia que, de vez em quando, me assaltava: chegará o dia em que me lembrarei disto, sendo capaz de relevar o cansaço e as preocupações, o ritmo desenfreado, as visitas guiadas, as filas que era preciso conter, as pressões, a pressa dos visitantes, a vigilância contínua.

Pavilhão da Santa Sé: entrada
Lisboa, Expo’98

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Hiperconetividade na era da hipermodernidade

“… é fácil confessar que muitíssimas coisas há na terra da Utopia que gostaria de ver implantadas nas nossas cidades, em toda a verdade e não apenas em expectativa”
Thomas More, Utopia

“Hiperconetividade” enquanto conceito subentende-se num artigo de Barry Wellman (2001) acerca das redes sociais e onde aborda aquilo que designa como “globalized connectivity” (Wellman, 2001, p. 230), mas surge efetivamente num estudo, elaborado pelo autor com Anabel Quan-Haase, acerca das múltiplas conexões estabelecidas através das tecnologias da informação e comunicação digital, no qual reconheciam o efeito positivo da tecnologia para fortalecer as relações interpessoais e contrariar as suas hierarquias, ainda que as conexões estabelecidas não se estabeleçam uniformemente – “all […] are connected, but some are more connected than others” (Quan-Haase, & Wellman, 2006, p. 322).

Utilização de recursos de Humanidades Museum of Modern Art (MoMA)
Foto: MIR, 2014.

O termo foi escolhido, pelo Conselho Internacional de Museus (ICOM), como tema para o Dia Internacional dos Museus 2018: “Museus hiperconectados: novas abordagens, novos públicos”.

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