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João Ayres, o ‘perturbador artístico de Moçambique’

Exposição “Nanquim preto sobre fundo branco”
Lisboa, Galeria Zé dos Bois (6 out. 2022 – 7 jan. 2023)

[…] the desire to bring together in thought what have hitherto appeared to be separate, coherent and homogenous entities and to redistribute what seemed preordained is what bestows upon temporary exhibitions a theoretical value and what makes them ‘exhibitions’. (Poinsot, 1996, p. 27)

Uma exposição temporária pode reordenar objetos em conjuntos inéditos, propiciando a sua releitura, outras modalidades de observação e de análise; mas pode, também, recuperar espólios esquecidos ou desconhecidos. Estes méritos são amplamente cumpridos na exposição “Nanquim preto sobre fundo branco”, com curadoria na Natcho Chega, na Galeria Zé dos Bois (ZDB), com os trabalhos do pintor João Ayres (1921-2001) realizados entre 1948 e 1958. A exposição “Nanquim preto sobre fundo branco”. De forma implícita, a exposição estrutura-se em três núcleos, a que correspondem diferentes expressões estéticas registadas ao longo da primeira década de João Ayres em Moçambique.

Exposição “Nanquim preto sobre fundo branco”
Lisboa, Galeria Zé dos Bois
Foto: MIR, 2022

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Europa oxalá: narrativas pós-memória

Exposição “Europa oxalá
Lisboa, Fundação Gulbenkian – Galeria principal (4 mar. – 22 ago. 2022)

A exposição, comissariada por António Pinto Ribeiro e pelos artistas Katia Kameli e Aimé Mpane, é temporária e itinerante, tendo sido apresentada no MUCEM – Musée des civilisations de l’Europe et de la Méditerranée, em Marselha (20 out. 2021-16 jan. 2022), e seguirá para o Museu Real da África Central – AfricaMuseum, em Tervuren, na Bélgica (6 out. 2022-5 mar. 2023).

Exposição “Europa oxalá”
Lisboa, Fundação Gulbenkian
Foto: MIR, 2022

O título “Europa oxalá” remete para a Europa do futuro (oxalá – do árabe inshā’Allāẖ, “se Deus quiser”, utilizada como interjeição para exprimir o desejo de que algo aconteça). A escolha deste título para a exposição de cerca de 60 obras de 21 artistas afro-europeus1, nascidos na Europa pós-colonial e cujas origens familiares se situam nas antigas colónias em África (Angola, Argélia, Benim, Cabo Verde, Congo, Guiné-Bissau, Madagáscar), aponta para problemáticas que ultrapassam o universo europeu e artístico em sentido restrito.

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  1. Sete destes artistas têm nacionalidade portuguesa: Carlos Bunga, Délio Jasse, Francisco Vidal, Márcio Carvalho, Mónica de Miranda, Pauliana Valente Pimentel e Pedro A. H. Paixão. []

De Julião Sarmento, é o traço…

É o traço, o poder conciso do traço inacabado, elementar como se fosse simples, o que de imediato me vem à memória na reconstrução da obra de Julião Sarmento. É o traço que rompe a tela e determina o resto.

Foi o traço que primeiro me marcou, foi pelo traço que sucessivamente o descobri e identifiquei.

Julião Sarmento junto à peça “Kiss Me”
Málaga, Museu de Arte Contemporânea, exposição restrospetiva do artista em 2010
Foto: EPA/JORGE ZAPATA, 2010

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O tríduo da Páscoa, segundo Mário Rita

Regressamos a uma terra misteriosa
trazemos uma ferida
e o corpo ferido
imprevistamente nos volta
para margens mais remotas
[…]”
José Tolentino Mendonça1

Tríduo Pascal (em latim, Triduum Paschale) é a designação dada no Cristianismo às celebrações da Semana Santa em memória da Paixão, Morte e Ressurreição de Cristo. A missa de Quinta-feira Santa recorda a Última Ceia de Cristo, como preparação dos momentos da Paixão. Os sinos tocam durante a recitação do Glória e, após esse momento, ficam em silêncio. Segue-se o ritual da lavagem dos pés, evocando o ato de Cristo aos apóstolos, segundo o relato no Evangelho de João (13:1-17). Este é um gesto de humildade e despojamento que prepara para o mistério eucarístico da Última Ceia. As celebrações de Quinta-feira terminam com o desnudamento dos altares. A liturgia deste dia encerra a Quaresma e dá início ao chamado Tríduo Pascal, ao mesmo tempo que anuncia o sentido deste tempo de silêncio, despojamento e ascese.

Crucificação; Ressurreição
Mário Rita, 2015
Exposição “Les Voyeurs”, 2015
Lisboa, Miguel Justino Contemporary Art

Mário Rita consegue incorporar o espírito do Tríduo Pascal neste conjunto de pinturas que, no entanto, escapam à iconografia convencional dos episódios da Paixão, Morte e Ressurreição de Cristo. Além disso, sendo que a temática religiosa não é frequente na arte contemporânea, também Mário Rita não a usa com um propósito confessional. É, porém, uma expressão introspetiva e denuncia um imenso lirismo na representação do dramatismo e solidão que estas figuras evocam.

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  1. “O silêncio”, in: A noite abre meus olhos: Poesia reunida. Lisboa: Assírio & Alvim, 2014. []

Feliz Ano Novo!

Nem tudo terá sido mau em 2020, mas que 2021 seja para melhorar.

Quando, há um ano, fazíamos votos de um bom e feliz ano novo, não imaginávamos o tempo transformador que se avizinhava: a doença, a angústia, o medo, a distância, o isolamento e a solidão.

Alguns (muitos!) não sobreviveram, outros (muitos mais!) sofrem as marcas da doença e da solidão. No entanto, nós sobrevivemos e chegamos a este dia, com a esperança numa luz que se adivinha ao fundo do túnel de trevas e sombras em que deambulámos nos últimos meses. Se, há um ano, não imaginávamos a pandemia que estava a chegar e alcançaria cada recanto deste mundo definitivamente global, ainda que muito pouco igualitário, também seria impensável, há apenas alguns meses, que a vacina chegaria por estes dias.

Encontramos, entre as obras de Wang Qingsong, uma profética ilustração destes tempos tão estranhos.

Temporary ward 
Wang Qingsong, 2008
Caixa de luz, a partir de uma instalação  ao vivo com 300 figurantes, incluindo doentes e pessoal de saúde 
Newcastle, Northern Stage theater

Se, em Temporary Ward (Enfermaria temporária), se abarca a memória destes dias de doença e sofrimento, o espanto perante o efémero, afinal, tão inevitável e infinito, fixemo-nos na festa de Happy New Year (Feliz ano novo), onde o humor se alia a um tom de irreverência, mas onde tudo parece leve e luminoso, entre aquilo que podemos deixar cair e os sonhos que se elevem, como balões coloridos “entre as mãos de uma criança”, como dizia o poeta a propósito da Pedra Filosofal.

Happy New Year
Wang Qingsong, 2012
Instalação
Pequim, Tang Contemporary

Que, em 2021, renasçamos mais humanos e conscientes na construção de um mundo novo. Que 2021 seja um ano bom para todos nós e que todos sejamos melhores.

E que, no espírito de a-muse-arte, a arte e os museus continuem a servir para nosso contentamento.

Aquisição de obras de arte contemporânea: uma boa notícia (e algumas questões)

Acaba de ser anunciada a aquisição, pelo Estado, de 65 obras de arte contemporânea de 57 artistas nacionais, no valor de 500 mil euros. Esta aquisição junta-se à que foi feita o ano passado, de 21 obras por 300 mil euros e prevê-se que no próximo ano se conclua o investimento de um milhão de euros prometido até ao final da legislatura.

Toquem os tambores que esta é uma boa notícia!

Indiscutivelmente uma boa notícia, porque implica uma compensação financeira aos artistas numa altura em que o mercado está menos ativo e porque traduz o reconhecimento e a promoção das suas obras. Boa notícia, portanto.

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Composições e detalhes: o olhar inquieto de Cabrita em Serralves

Exposição “A roving gaze (Um olhar inquieto)
Porto, Museu de Arte Contemporânea de Serralves (20 nov. 2019 – 22 mar. 2020)

Ao fim de 20 anos1, Pedro Cabrita Reis volta a Serralves com “um olhar inquieto” e uma nova identidade, numa exposição comissariada por Marta Moreira de Almeida, diretora-adjunta da instituição.

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  1. A exposição “Da luz e do espaço” (19 nov. 1999 – 23 jan. 2000), com obras de Pedro Cabrita Reis e curadoria de Vicente Tódoli e João Fernandes, esteve patente no Museu de Arte Contemporânea de Serralves, entre a 19 de novembro de 1999 e 23 de janeiro de 2000, ou seja, escassos meses após a abertura do museu a 6 de junho de 1999. []

O urinol, a sanita, uma banana e fita-cola: a arte que se destrói a ela própria

Em 1917, Marcel Duchamp (ou Elsa von Freytag-Loringhoven1 expôs um urinol, em posição invertida e, portanto, destituído de função, assinado “R. MUTT” e datado “1917”.

Fonte
Marcel Duchamp, 1917
Foto: Alfred Stieglitz, 1917

Duchamp foi o pioneiro do Dadaísmo, cujo principal mérito terá sido o de forçar a questão acerca da definição de arte e o debate entre arte e conceito. Porém, o efeito contraditório é que o conceito tem vindo a sobrepor-se à arte, sem que se definam os campos próprios das artes plásticas, performativas e conceptuais, para lá das inevitáveis (e vantajosas) interconexões.

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  1. Numa carta endereçada à irmã, Duchamp sugere ter sido uma amiga quem, sob o pseudónimo de Richard Mutt, a autora da obra Fonte, datada de 1917 e apresentada na Society of Independent Artists em Nova Iorque. Esta amiga seria Elsa von Freytag-Loringhoven (1874-1927), tal como é sugerido por Irene Gammel e Suzanne Zelazo (Freytag-Loringhoven, Gammel, & Zelazo, 2016). []

Desenho subjacente e imanente

“Drawing Room”
Lisboa, Sociedade Nacional de Belas Artes, 9 – 13 out. 2019

Drawing Room Lisboa
Foto: MIR, 2019

No início era o desenho. É o desenho que nos documenta e nos transmite a vida, o pensamento, as emoções do homem desde os tempos anteriores à história. O desenho sempre esteve lá, como impulso e como expressão, nas pinturas feitas no interior das grutas, nos traços gravados nas rochas, ou subjacente debaixo de camadas de tinta como suporte e guia da composição.

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“Encontro no canto da memória”: visita ao atelier de Mário Rita

“O que fica?, perguntas-me. Um encontro no canto da memória.”
Nuno Júdice, Oferenda

A perceção da obra de arte é influenciada pelo sujeito que a vê e pelo contexto em que é vista. Num museu ou numa galeria, vemo-la depurada, depois de sujeita ao escrutínio curatorial. A ida a um atelier é, por isso, uma viagem ao âmago da criação, no seu contexto original, na nudez dos artifícios, concedendo-nos a entrada no universo pessoal e íntimo do criador-artista. É, também, o privilégio da observação não contaminada pela visão de outros, pelo discurso do curador ou pelas análises dos críticos.

Atelier de Mário Rita
Lisboa, julho de 2019
Foto: MIR, 2019

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Arte argentina no Palácio da Ajuda

Exposição “VII Mostra de Artistas Argentinos em Portugal”
Lisboa, Palácio Nacional da Ajuda, 20 mar. – 3 abr. 2019

Março foi o mês de Francofonia. A “Festa da Francofonia 2019”, organizada por um coletivo de países membros da OIF (Organização Internacional da Francofonia) com representação diplomática em Portugal (Andorra, Argentina, Bélgica, Canadá, Costa do Marfim, Egipto, França, Geórgia, Luxemburgo, Marrocos, Roménia, Senegal, Suíça e Tunísia), pretende dar a conhecer culturas do mundo francófono.

Exposição “VII Mostra de Artistas Argentinos em Portugal”
Lisboa, Palácio Nacional da Ajuda
Foto: MIR, 2019

Neste âmbito, a exposição “VII Mostra de Artistas Argentinos em Portugal”, sob a tutela da Embaixada da Argentina, país observador da OIF e coorganizador da Festa da Francofonia 2019, apresenta, no Palácio Nacional da Ajuda,  obras de 11 artistas contemporâneos, com diferentes linguagens, técnicas e suportes no âmbito das artes plásticas, numa seleção que se assume heterogénea e simplificada.

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O grande galo da arte contemporânea

Em 1974, Arnold Hauser publicou a Sociologia da arte, um trabalho de síntese da investigação académica realizada ao longo de três décadas, onde argumentava acerca da relação direta entre desenvolvimento cultural e as circunstâncias materiais da sociedade, defendendo que a forma e o conteúdo da obra de arte refletem as circunstâncias concretas da sua produção, isto é, é determinada pelos fatores sociais e económicos em que se insere (vd. Hauser, 1988). Segundo esta perspetiva sociológica, a arte é, simultaneamente, determinante na sociedade e determinada por ela. É determinante, uma vez que é questionada, promovida, avaliada, utilizada e fruída por um grupo social, integrando-se na superstrutura ideológica que determina e influencia o gosto vigente. Por outro lado, é determinada pela sociedade, no sentido em que é regulada pelos mecanismos de encomenda, avaliação e remuneração, que promovem determinados produtos em detrimento de outros.

Pop galo Joana Vasconcelos, 2016 Lisboa, Ribeira das Naus Foto: MIR, 2016
Pop galo
Joana Vasconcelos, 2016
Lisboa, Ribeira das Naus
Foto: MIR, 2016

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A tragédia humana no olhar de Ai Weiwei

‘If my art has nothing to do with people’s pain and sorrow, what is ‘art’ for?’ (Ai Weiwei)

Ao longo da semana, assistimos ao desmantelamento da selva de Calais, esse enorme campo onde a crua fragilidade da nossa (des)humanidade era posta a nu: começou com o desmantelamento organizado e oficial das barracas, continuou através do enorme incêndio que as autoridades denunciam como fogo posto e manteve um incessante ritmo de transferência dos refugiados, levados de autocarro para centros de acolhimento dispersos em território francês.

Campo de refugiados em Calais Foto: Ai Weiwei, 27 out. 2016
Campo de refugiados em Calais
Foto: Ai Weiwei, 27 out. 2016

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Apontamentos: vias da arte contemporânea portuguesa após o 25 de Abril

Em Portugal, com um atraso em relação aos contextos europeu e norte-americano, costuma marcar-se a década de 1970 como ponto de viragem da arte contemporânea pós-moderna, coincidindo com a maior abertura política e cultural da época marcelista e a com as vanguardas emergentes após a revolução de 25 de abril de 74. Logo em 1977, a exposição Alternativa Zero, concebida e comissariada por Ernesto de Sousa constitui uma ocorrência decisiva na contemporaneidade da arte portuguesa, introduzindo o conceito de arte intermedia, isto é, a arte que articula variadas formas de expressão visuais e performativas. Esta exposição, ao mesmo tempo que faz o um balanço da produção artística portuguesa mais alinhada com a arte contemporânea internacional, revela também os artistas – Alberto Carneiro, Clara Menéres, João Vieira, Helena Almeida, Julião Sarmento, Ângelo de Sousa, Noronha da Costa e Fernando Calhau, entre outros – e as tendências mais relevantes das décadas seguintes, em que a rutura se conjuga com a hibridez dos meios, dos processos e das próprias expressões artísticas.

Vista da exposição Alternativa Zero, 1977.  Foto: Col. Fundação de Serralves.
Vista da exposição Alternativa Zero, 1977.
Foto: Col. Fundação de Serralves.

Alberto Carneiro explora o campo da instalação, ou, como ele refere, uma “escultura natural”, para onde importa as evocações do mundo rural e de uma primordial relação com a terra, num percurso telúrico que mantém até à atualidade. Carneiro é considerado pioneiro na articulação arte-ecologia, embora se mantenha autónomo dos desenvolvimentos da land art.

Uma floresta para os teus sonhos Alberto Carneiro, 1970 Instalação: Troncos de madeira de pinho tratados. Foto: FCG/CAM
Uma floresta para os teus sonhos Alberto Carneiro, 1970
Instalação: Troncos de madeira de pinho tratados.
Foto: FCG/CAM

Em contrapartida, João Vieira e Helena Vieira perseguem uma via mais conceptual e híbrida na utilização de materiais menos comuns, na conjugação de técnicas e no envolvimento do próprio corpo. João Vieira desenvolve uma pintura letrista, assente na componente gráfica do texto e nas possibilidades das conexões entre o significado e o significante. Helena Vieira envereda pela intervenção da pintura ou do desenho sobre a representação fotográfica do próprio corpo. Na série Inhabited Painting, de 1975, encena autoretratos, sublinhados por traços ou manchas de tinta azul.

Instauram, desta forma, uma pesquisa de vanguardas em torno do conceito subjacente à criatividade que, nas décadas seguintes, tende a ampliar-se e a dominar as restantes expressões artísticas.

A conjuntura pós-revolucionária impulsionou o aparecimento de uma nova dinâmica no âmbito da arte portuguesa nos finais do século XX: a consolidação em Portugal e no plano internacional de artistas como Paula Rego, Luís Pinto Coelho, Júlio Pomar e Julião Sarmento; a pesquisa em torno das tendências de vanguarda no âmbito do minimalismo, abstracionismo e pós-conceptualismo, por parte de autores como Eduardo Batarda e Álvaro Lapa; o chamado “regresso à pintura”, com novas figurações, com o predomínio da figura humana, em expressões realistas, líricas, espontâneas, de Graça Morais, Menez, António Palolo, Leonel Moura ou António Dacosta. No âmbito da escultura, destaca-se o grupo de Pedro Calapez, José Pedro Croft, Pedro Cabrita Reis e Rui Sanches.

Desenham-se, aqui, duas tendências genéricas para uma possível caraterização da arte contemporânea desde finais do século XX: a representação da figura em novos moldes, no sentido em revelam um universo introspetivo diferente de autor para autor; a pesquisa orientada para a arte concetual baseada na apropriação de outras expressões.

Nota: Estes são apenas “apontamentos”, num eventual ponto de partida para futuras análises e desenvolvimentos. Fica a porta aberta a todos (e, em particular, aos implicados no processo) os que quiserem também quiserem contribuir, em comentário, com referências acerca dos autores e grupos de trabalho.