O tríduo da Páscoa, segundo Mário Rita

Tríduo Pascal (em latim, Triduum Paschale) é a designação dada no Cristianismo às celebrações da Semana Santa em memória da Paixão, Morte e Ressurreição de Cristo. A missa de Quinta-feira Santa recorda a Última Ceia de Cristo, como preparação dos momentos da Paixão. Os sinos tocam durante a recitação do Glória e, após esse momento, ficam em silêncio. Segue-se o ritual da lavagem dos pés, evocando o ato de Cristo aos apóstolos, segundo o relato no Evangelho de João (13:1-17). Este é um gesto de humildade e despojamento que prepara para o mistério eucarístico da Última Ceia. As celebrações de Quinta-feira terminam com o desnudamento dos altares. A liturgia deste dia encerra a Quaresma e dá início ao chamado Tríduo Pascal, ao mesmo tempo que anuncia o sentido deste tempo de silêncio, despojamento e ascese.

Mário Rita consegue incorporar o espírito do Tríduo Pascal neste conjunto de pinturas que, no entanto, escapam à iconografia convencional dos episódios da Paixão, Morte e Ressurreição de Cristo. Além disso, sendo que a temática religiosa não é frequente na arte contemporânea, também Mário Rita não a usa com um propósito confessional. É, porém, uma expressão introspetiva e denuncia um imenso lirismo na representação do dramatismo e solidão que estas figuras evocam.

Servindo-se de uma técnica pessoal e inédita de pintura sobre colchas de seda adamascada, Mário Rita traça, de forma essencial e sucinta, as figuras delineadas a negro sobre um fundo branco. O fundo das colchas é mantido aparente, sem esconder a textura do tecido. As obras encerradas em caixas acrílicas, quase inaparentes, ainda que óbvias e refletoras do observador e do ambiente, ao impor uma separação sem possibilidade de transgressão, reforçam as referências ao sagrado.

Numa composição em tríptico das representações da Crucificação, Descida da Cruz e Ressurreição, revela-se uma transversalidade branca e luminosa, apenas interrompida pelas figurações (ou materializações), insinua a ambivalência do espaço teofânico, ou da manifestação do divino tornando-se visível ao homem. A utilização de colchas brancas permite a ligação à cor litúrgica de Quinta-feira Santa e do Tempo Pascal. A representação da Pietá, a única em que a figura de Cristo não está só, implicando a presença da mãe a receber o corpo do filho morto, constitui uma exceção com um cromatismo mais alargado, usando o vermelho, a cor litúrgica de Sexta-Feira Santa.

O traço inconfundível de Mário Rita é, simultaneamente, solto e contido, largo e minucioso, mas é, sobretudo, animado por uma intensa energia, visceral e profunda que se revela de forma veemente na última obra deste conjunto, uma descida da cruz que, do ponto de vista teológico, atesta a condição humana de Cristo, mas que aqui ganha a dimensão mais pungente do sofrimento humano. Afinal, apesar da designação de cada uma das obras e daquela que atribuímos a este conjunto, talvez esta temática não seja religiosa, nem seja uma leitura dos relatos neotestamentários, mas apenas (e isso é tanto!) uma representação da nossa humanidade e da solidão e do sofrimento que fazem parte do nosso destino.

A figura angulosa do crucificado, com o corpo suspenso dos braços, numa evidência de queda e morte, não precisa da cruz, nem dos sinais de ferida e sangue, para evocar o sofrimento de uma absoluta solidão em consonância com o derradeiro grito que Cristo dirige ao pai no momento extremo da sua agonia:  “Eloì, Eloì, lemà sabactàni?” (Deus meu, Deus meu, porque me desamparaste (ou abandonaste) (Sl 22:1; Mt 27:46; Mc 15:34). Na estrutura narrativa, este grito antecede o momento da morte, perto da hora nona, ao cabo das trevas que desde a hora sexta haviam caído e silenciado toda a terra, tornando-se uma epígrafe da desolação.

A figura de Cristo é vista em perfil, a evidenciar a morbidez do corpo postmortem. O madeiro da cruz é apenas sugerido na sua verticalidade, enquanto o corpo descai, com as costas arqueadas pelo peso da gravidade. Enquanto as pernas se contorcem num desenho mais detalhado, a parte superior do corpo é representada de forma muito fluída, quase abstrata, numa insinuada duplicidade que pode ser interpretada num duplo sentido: a materialidade do movimento da queda; a espiritualidade da alma que abandona o corpo. A gestualidade do corpo desfalecido, dobrado sobre si próprio ao ser descido da cruz, aponta para um solitário regresso ao início uterino, sublinhando este aspeto da sua condição humana.

A figura torna-se mais corpórea e materializada no registo da Ressurreição, reforçando o significado do corpo que se reassume após a morte. É, porém, a representação que mais se afasta da iconografia convencional em torno do tema glorioso. Do ponto de vista formal, regista-se uma aproximação ao tema da Crucificação. Na continuidade dos temas anteriores, a cruz transforma-se em duas hastes que sustentam o corpo pelos braços como se o impedissem de cair.  O corpo, desnudo e visto de costas, e o registo intimista da cabeça caída tornam esta Ressurreição num regresso à condição humana e às fraquezas que lhe são inerentes.

Em contraponto com a narrativa deste tríptico, interrompendo-a entre os episódios da Descida da Cruz e da Ressurreição. A Pietà representa a Virgem a receber, no colo, o corpo do Filho morto. Sendo uma das expressões visuais mais comovedoras da iconografia cristã, este tema não tem fonte literária, tendo-se desenvolvido a partir da lamentação sobre o corpo de Cristo e ganhando grande popularidade no contexto devocional do século XIV.
Nesta obra, as duas figuras estão quase ocultas por uma enorme mancha cruciforme em tonalidades de água, com um sentido de purificação. Atrás ou à transparência, são percetíveis partes de um vulto negro e as linhas que desenham fragmentos de um corpo caído transversalmente. Sobre um dos braços da cruz, meticulosamente desenhada, uma mão aberta e caída surge como uma promessa de conexão, de ligação ou de amparo, como a mãe que embala o filho do nascimento à morte.

 Esta Descida da cruz constitui uma síntese do Tríduo Pascal. A composição monumental e vertical define-se como um eixo, a escada teofânica que, aqui, é materializada na representação de um escadote colocado a meio. No registo superior, desce o corpo morto, apenas delineado, mas replicado em vários momentos de queda. No registo inferior, o corpo como que envolto em mortalha está prostrado no chão, numa sugestão do caráter definitivo da morte. Na base, um conjunto de sapatos heterogéneos, num exercício de desenho quase académico, fazem o contraponto material com a representação incorpórea do morto. São, também, os sapatos que se deixam à entrada do templo, formalizando o rito de passagem entre o registo terreno e o divino e confirmando o cariz teofânico desta composição.

Podemos, aqui, encontrar um sentido alegórico: são os sapatos que também somos levados a deixar à porta e assumir a nossa humanidade nestes tempos de dor, nestes tempos em que a ameaça da morte se torna mais premente. De resto, no conjunto destas obras, há uma contínua referência à solidão e ao sofrimento em que se introduzem alusões ao acolhimento e ao amparo – e estas são as matrizes do nosso tempo.

Alguns extratos deste texto foram retirados de Roque, M. I. (2015, 27 set.). Mário Rita, “le voyeur” no caminho da luz. In A-muse-arte. Disponível em https://amusearte.hypotheses.org/1007

1. “O silêncio”, in: A noite abre meus olhos: Poesia reunida. Lisboa: Assírio & Alvim, 2014. [↩]

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