Ou um exemplar projeto de angariação de fundos, levado a cabo pelo Padre Edgar Clara, pároco na igreja de São Cristóvão.
A igreja de São Cristóvão, no coração da Mouraria, em Lisboa, construída no século XVI e com o interior integralmente revestido a talha dourada barroca, sendo considerada um dos mais relevantes exemplares do “Estilo nacional”, e é uma das poucas igrejas que subsistiram ao terramoto de 1755. Está classificada como monumento de interesse público.
Templo de Bel Palmira, Síria Foto: Bernard Gagnon, 2010.
O templo de Bel, na antiga cidade síria de Palmira, foi destruído pelos militantes do Estado Islâmico: tinha havido a notícia de uma grande explosão no passado fim-de-semana, surgiu a hipótese de o templo ter sido poupado, veio agora a confirmação através da imagem de satélite, que mostra a desolação de duas colunas solitárias, no que antes havia sido um complexo arqueológico monumental. O templo, consagrado ao deus semita Bel, foi erguido no ano 32 sobre templos anteriores e era considerado um dos mais importantes edifícios religiosos da região e um dos mais relevantes exemplares da síntese entre os modelos arquitetónicos greco-romanos e a influência dos estilos vernáculos do Próximo Oriente. Continuar a ler “Lamento pelos homens e pelas pedras”
No mínimo invulgar: uma semana antes da inauguração da exposição da Coleção SEC, no Museu Nacional de Arte Contemporânea (MNAC), o diretor do museu, David Santos apresentou a demissão alegando “incompatibilidades insuperáveis” com a tutela.
David Santos, no MNAC
A coleção da Secretaria de Estado da Cultura (SEC), conhecida como Coleção SEC, é um acervo de quase um milhar de obras, adquiridas pelo estado desde 1976 – muito por ação de Fernando Calhau, simultaneamente artista, funcionário da Secretaria de Estado, além de membro fundador e diretor do Instituto de Arte Contemporânea – com obras representativas, em particular, das décadas de 1960 a 1980 e da produção dos mais relevantes artistas portugueses contemporâneos: Vieira da Silva, Júlio Pomar, Lourdes Castro, René Bértholo, Helena Almeida, Julião Sarmento, Menez, Carlos Botelho, Carlos Calvet, Catarina Baleiras.
O conceito moderno de nação surgiu no século XVIII, no contexto do Iluminismo e da Revolução Francesa e ao mesmo tempo que se criavam os primeiros museus com o objetivo de salvaguardar e disponibilizar, a toda a sociedade, o repositório patrimonial que materializava a sua cultura e identidade.
Em Portugal, no último quartel do século XIX, foram várias as comemorações que serviram como pretexto para a exaltação de acontecimentos e heróis que incrementassem o orgulho nacional, ao mesmo tempo que funcionavam como veículo de propaganda da ideologia anticlerical e republicana, das quais a mais relevante ocorreu em 1880, assinalando o centenário da morte de Camões, figura que se tornou um símbolo da luta pela independência do reino contra a presença e influência dos ingleses e baluarte das ideias republicanas. O ideal heroico e romântico do poeta que cantara a saga dos Lusíadas era o reverso positivo de um Portugal em crise e desesperançado.
Partindo da epígrafe de Brian Krzanich, CEO da Intel Corporation, Sarah Kenderdine redefine o conceito de museu em função da transformação da nova era digital, no que respeita ao desenvolvimento de novos recursos quer para transmissão do conhecimento, quer para a criação de experiências imersivas centradas no sujeito.
When digital technologies began to invade our lives, museums seemed to be condemned to the past, while people were been increasingly seduced by new forms of entertainment, more dynamic, more interactive, more spectacular and more immediately rewarding. Should it be the end of museum era (as the end of theatre, cinema, or book era)?
In museums, some curators tried to consolidate the institution in its always framework: an erudite, sober and unchangeable, place with a high knowledge content, in contrast to the “non-places” of our supermodernity, as described by Marc Augé (1992), or to the ever-changing realities of ours network connections with no-time and no-where. By preserving the memory, the authority of the object in custody in the museum would be a final stronghold against the changes of contemporary…
Or museums can update themselves and use technology in their behalf.
Digital humanities @ Museum of Modern Art (MoMA) Photo: MIR, 2014.
A comunicação no museu passa pela decifrar o que está exposto. Mas pode uma tabela1 com o registo do “título, autor e data”, por vezes, com o material e as dimensões, traduzir o significado da obra? Permitem, estes dados, descodificar o sentido da obra?
A informação, mesmo quando sucinta e redutora, pode ser redundante e inexpressiva. “Autor desconhecido” pode ser pertinente enquanto não-informação, ou seja, onde é a ausência dos dados o elemento significativo, mas será este um dado definitivo para a compreensão da obra? Também a referência à data, embora a situe numa linha cronológica, fornece, ao visitante comum, alguma informação sobre o contexto em que obra foi criada, ou sobre a complexidade de sistemas culturais, ideológicos, sociais, económicos, que a determinaram a ser daquela, e não de outra, forma?
Tabela da custódia de Belém no Museu Nacional de Arte Antiga (MNAA) Foto: MIR, 2014
Tende a generalizar-se a designação tabela – há tempo, numas provas de mestrado, o arguente advertiu o aluno para o “erro” de designar “legenda”, um termo desatualizado, em vez de “tabela”. Não obstante, legenda significa, etimologicamente, “as coisas que são para ler, que devem ser lidas” e pode designar a informação escrita que informa, comenta ou ajuda a interpretar uma imagem, pelo que a sua aplicação em contexto museológico não pode ser considerada errada. [↩]
“My Nimrod, oh my Nimrod, am I still on earth, the place of sad perplexity?” Jameson, 1848
Chegam notícias, já sem surpresa, de que, ontem, o grupo Estado Islâmico do Iraque e do Levante (ISIL) terá saqueado e destruído a zona arqueológica de Dur Sharrukin (Korsabad), a “Fortaleza of Sargon”, construída no início do século VIII a.C. e capital da Assíria no tempo de Sargão II. Terão sido utilizadas várias escavadoras que, além dos palácios de Sargão II e do filho Senaquerib, atingiram outros edifícios e vários templos. No dia anterior, tinham destruído a antiga cidade de Hatra, datada do séc. I a.C, e declarada Património Mundial pela UNESCO; na quinta-feira, arrasaram a cidade de Nimrud, capital do império assírio depois de Senaquerib ter rejeitado Korsabad (Oates & Oates, 2001: 23) e considerada uma das principais descobertas arqueológicas do século XX; na semana anterior, invadiram, pilharam e destruíram o Museu da Civilização, em Mosul, e divulgaram um vídeo onde se viam alguns membros do ISIL a derrubar e partir esculturas pré-islâmicas. Algumas peças eram apenas réplicas, mas outras eram obras originais das épocas assíria e acádia, segundo confirmação da UNESCO.
Destruição em Nimrud. Foto: The Independent, 8 mar. 2015.
Tenho, com o Museu Nacional de Arte Antiga (MNAA), uma antiga relação de amor. Como muitas relações de amor duradoras, também esta é um contínuo desenrolar de encontros e desencontros, de amuos e reconciliações, de exigências e desilusões.
Em Portugal, com um atraso em relação aos contextos europeu e norte-americano, costuma marcar-se a década de 1970 como ponto de viragem da arte contemporânea pós-moderna, coincidindo com a maior abertura política e cultural da época marcelista e a com as vanguardas emergentes após a revolução de 25 de abril de 74. Logo em 1977, a exposição Alternativa Zero, concebida e comissariada por Ernesto de Sousa constitui uma ocorrência decisiva na contemporaneidade da arte portuguesa, introduzindo o conceito de arte intermedia, isto é, a arte que articula variadas formas de expressão visuais e performativas. Esta exposição, ao mesmo tempo que faz o um balanço da produção artística portuguesa mais alinhada com a arte contemporânea internacional, revela também os artistas – Alberto Carneiro, Clara Menéres, João Vieira, Helena Almeida, Julião Sarmento, Ângelo de Sousa, Noronha da Costa e Fernando Calhau, entre outros – e as tendências mais relevantes das décadas seguintes, em que a rutura se conjuga com a hibridez dos meios, dos processos e das próprias expressões artísticas.
Vista da exposição Alternativa Zero, 1977. Foto: Col. Fundação de Serralves.
Alberto Carneiro explora o campo da instalação, ou, como ele refere, uma “escultura natural”, para onde importa as evocações do mundo rural e de uma primordial relação com a terra, num percurso telúrico que mantém até à atualidade. Carneiro é considerado pioneiro na articulação arte-ecologia, embora se mantenha autónomo dos desenvolvimentos da land art.
Uma floresta para os teus sonhos Alberto Carneiro, 1970 Instalação: Troncos de madeira de pinho tratados. Foto: FCG/CAM
Em contrapartida, João Vieira e Helena Vieira perseguem uma via mais conceptual e híbrida na utilização de materiais menos comuns, na conjugação de técnicas e no envolvimento do próprio corpo. João Vieira desenvolve uma pintura letrista, assente na componente gráfica do texto e nas possibilidades das conexões entre o significado e o significante. Helena Vieira envereda pela intervenção da pintura ou do desenho sobre a representação fotográfica do próprio corpo. Na série Inhabited Painting, de 1975, encena autoretratos, sublinhados por traços ou manchas de tinta azul.
Instauram, desta forma, uma pesquisa de vanguardas em torno do conceito subjacente à criatividade que, nas décadas seguintes, tende a ampliar-se e a dominar as restantes expressões artísticas.
A conjuntura pós-revolucionária impulsionou o aparecimento de uma nova dinâmica no âmbito da arte portuguesa nos finais do século XX: a consolidação em Portugal e no plano internacional de artistas como Paula Rego, Luís Pinto Coelho, Júlio Pomar e Julião Sarmento; a pesquisa em torno das tendências de vanguarda no âmbito do minimalismo, abstracionismo e pós-conceptualismo, por parte de autores como Eduardo Batarda e Álvaro Lapa; o chamado “regresso à pintura”, com novas figurações, com o predomínio da figura humana, em expressões realistas, líricas, espontâneas, de Graça Morais, Menez, António Palolo, Leonel Moura ou António Dacosta. No âmbito da escultura, destaca-se o grupo de Pedro Calapez, José Pedro Croft, Pedro Cabrita Reis e Rui Sanches.
Desenham-se, aqui, duas tendências genéricas para uma possível caraterização da arte contemporânea desde finais do século XX: a representação da figura em novos moldes, no sentido em revelam um universo introspetivo diferente de autor para autor; a pesquisa orientada para a arte concetual baseada na apropriação de outras expressões.
Nota: Estes são apenas “apontamentos”, num eventual ponto de partida para futuras análises e desenvolvimentos. Fica a porta aberta a todos (e, em particular, aos implicados no processo) os que quiserem também quiserem contribuir, em comentário, com referências acerca dos autores e grupos de trabalho.
O museu nasceu com o duplo propósito de constituir um repositório da identidade cultural de território – na mesma altura em que também se firmava o conceito de nação e intensificava o desejo imperialista – e de torna-lo acessível a toda a sociedade. O museu tornou-se, assim, um espaço onde as classes mais baixas, pelo menos teoricamente, podiam usufruir de um património que até então tinha sido privilégio exclusivo da aristocracia, do clero ou da alta burguesia. Por conseguinte, o museu instituiu-se como um espaço de prestígio social e cultural, a par do consumo de outros produtos culturais considerados eruditos, como o teatro, a música, o bailado e a ópera.
A imagem de um grupo de adolescentes, sentados numa sala do Rijksmuseum, em Amsterdão, junto à Ronda da Noite (aliás A companhia militar do capitão Frans Banning Cocq e o tenente Willem van Ruytenburg), de Rembrandt, concentrados na consulta de smartphones tem sido alvo de muita polémica e ponto de partida para muitas discussões, desde que, no passado mês de dezembro, começou a circular nas redes sociais.
Rijksmuseum, Amsterdam Foto: Gijsbert van der Wal, 2014
A articulação do património (do latim patrimonium, herança do pai) à cultura surgiu no século XVII, numa crescente tomada de consciência da necessidade de preservação dos bens herdados do passado, a partir do qual se desenvolveu o atual conceito de património cultural, no sentido de “conjunto de todos os bens que constituem os testemunhos de uma civilização ou de uma cultura, contribuindo para a construção da identidade cultural de um povo ou para a representação do pensamento, da criatividade e das realizações alcançadas pela humanidade” (Roque, 2012, p. 69).
Mosteiro de Alcobaça: deambulatório da igreja Foto: MIR, 2014